6.艺术史
黑格尔艺术美的上述矛盾结构在现实的历史中体现为艺术史的动态发展，逻辑的东西展开为历史的东西 。这一发展的内在动力仍然是理念内容与感性形式的矛盾，不过它不再只是逻辑上的层次，而是具体化为一条浑然一体的历史长河 。这一人类艺术的历史分为三个阶段：象征型艺术、古典型艺术和浪漫型艺术 。
·象征型艺术
象征型艺术是人类艺术的起源，或者说是一种“前艺术的艺术”，它发生于史前的原始自然宗教中 。黑格尔分析说，在这种艺术中，内容和形式正在互相寻找，而又总是找不到互相适合的切合点 。艺术家本身也分裂为：代表理想、精神内容一方的古代祭司、巫师，他们是艺术作品的设计者和原创性的构思者，也是欣赏者；以及代表自然物质一方的工匠，他们只负责塑造形式，而不管内容如何 。就作品而言，我们看不清其中所包含的精神意蕴，捉摸不透它们究竟要表达什么意思，而它们借以体现自身的物质材料则以其庞大的体积和沉重的重量压抑着灵魂的活力，显出某种神秘而不可解的陌生性，例如埃及金字塔、狮身人面像，都是如此 。在这里，形式只是内容的“象征”，而不是适当的表达，人们在欣赏时必须自己去猜测，但真实的意义却是一个永远猜不透的谜 。
·古典型艺术
在古典型艺术中内容和形式终于达到了高度的和谐一致，在这里，精神体现为与之完全适合的材料，而物质则完全溶入意蕴中，每一部分都明确地体现了内容的思想，不可缺少 。它在古希腊雕刻中达到了发展的顶峰，这些雕刻用人体来表现人性，其中要表达的人性是明确的，如正义、美德、高贵、尊严、爱情等等；而用来表达人性的人体则是美的，它们精确地合乎形式规范，但在这些形式中又都在促成意蕴的表达，每一块肌肉都放射出活的精神的光辉，物质与精神完全融为了一体 。所以我们至今还能从古希腊保存下来的雕像的残片中感受到美的极大魅力，哪怕只是半截身体(如只剩一对翅膀和躯干的“胜利女神”雕像)，而埃及金字塔的一块砖则只具有考古学的意义 。黑格尔对古希腊的古典型艺术推崇备至，认为这是整个人类艺术的顶峰，真正的“美的理想”，也是古典时代最具有代表性的意识形态 。这种观点也影响到了后来的马克思，后者将希腊艺术评价为“一种规范和高不可及的范本”[86] 。在此之后的时代里，艺术就再也不能像古希腊那样在时代精神的发展中占据中心地位了，它将让位于宗教和哲学 。当然，艺术本身还将存在，在新的时代条件下，它表现为下一个阶段，即“浪漫型艺术” 。
·浪漫型艺术
浪漫型艺术的特点是内容和形式再次分裂，脱离内容的形式成为了对自然的机械模仿和卖弄技巧，这就是通常所说的“形式主义”；不讲形式的内容则成为了艺术家个人主观偶然心情的自我表现 。这就使双方都成为了抽象的了：抽象化了的艺术撇下抽象化了的物质外壳独自前行，它的归宿最终就是宗教；而剩下的抽象艺术则成为了一具没有灵魂的僵尸，于是艺术本身就解体、衰亡了 。黑格尔用浪漫型艺术来囊括中世纪以来直到他当时的艺术，因为这个时期的主导意识形态就是宗教，艺术要么是表现宗教题材或与宗教相关的题材，要么就靠边站，成为一种雕虫小技 。当然也有伟大的作品，特别是文艺复兴期的巨匠们，他们在浪漫型艺术还没有来得及衰亡的时刻，受到古典型艺术的感召，也创造出了浪漫型艺术的“美的理想”，如莎士比亚、歌德、席勒等人的作品 。但其中的内容和形式的统一必须通过一个中介，这就是个体的私人情感，特别是“爱情”，“爱就是单纯精神的美”[87] 。“至于浪漫型艺术则把情绪和情感既用作内容，又用作形式”[88]，于是外部感性世界“已不像在古典型艺术里那样自在自为地具有它的概念和意义，而是要从情感生活里找它的概念和意义” 。[89]然而，由于主观世界实际上并不能把对立双方(外部自然和普遍精神)完全包容和吸收于自身内，反而有种使双方分离的倾向，所以在浪漫艺术中就导致了两个极端：一方面，大量丑恶的、不美的、庸俗琐碎的日常事物进入了艺术，以其本来的、不作任何加工的面目成为艺术的题材，徒逞艺术家描摹的技巧，陷入了自然主义；另方面，有些艺术家为了更鲜明的突出自己的主体性，不惜任意夸大、歪曲事物形象，陷入怪诞不经、难以理解的“主体的幽默” 。这就使艺术本身的和谐结构悉遭破坏，导致艺术的衰亡；主体精神便撇开自然界而单独和普遍精神结合，这就走到宗教中去了 。
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